Material Artística Grado 9º CAU Tarde

Institución Educativa Carlos Adolfo Urueta
Área de Educación Artística
Grados 9º E.B.S Jornada de la Tarde
Lic. Reybaldo Rafael Romero Ávila
www.reybaldoromero.galeon.com
Material pedagógico correspondiente al tercer período académico 2014
TÉCNICA SANGUÍNEA
La sanguínea se obtiene de la hematita, un óxido de hierro rojizo del cual existen dos variedades tonos, rojo y marrón o
amarillo. Este material es conocido desde hace miles de años, fue utilizada por los hombres del Paleolítico y en segundo
lugar lo podemos ver en los vestigios encontrados, en los esbozos de las pinturas en túmulos egipcios, así como en
las sinopsis preparatorias de los frescos griegos y romanos.
Hematita
Dibujo técnica hematita
Solo en el siglo XV con la evolución del papel, la sanguina aparece como único material en un dibujo, pues anteriormente
los suportes utilizados como el pergamino y la madera no permitían la buena conservación de los registros. Este
material tuve un gran seceso en el periodo renacentista, el trazo que el producía esta suave e policromado, permitido a los
artistas de esta época olvidar el concepto de linea de contorno.
Actualmente es posible encontrar diferentes formas de sanguínea como el
lápiz o la barra, que trabajados conjuntamente con el muñón permiten un
acabado suave y naturalista.
TÉCNICA CARBONCILLO
Existen dos tipos de carboncillos, el comprimido y el vegetal. El vegetal se
hace con ramas que cerradas en bolsas privadas de oxigeno y dejadas al
calor por algunos días se deterioran, llevado este material al horno se crean
barras de carbón. El carboncillo comprimido es una mezcla
de aglutinantes con pigmento negro proveniente del humo, este es el
más frecuente en el mercado. Ambos crean un gran conjunto de negros
pero el comprimido se caracteriza por ser más brillante que el vegetal.
El carboncillo es uno de los materiales de dibujo más antiguos, fue usado en la prehistoria para la pintura rupestre,
también por los griegos y romanos, durante la edad Media y Renacimiento.
Sin embargo es en los siglos XIX y XX el carboncillo adquiere mayor protagonismo, debido al aparecimiento de
nuevos fijadores.
No es lo que erres, sino lo que haces lo que te identifica
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Las superficies dibujadas a carboncillo son muy vulnerables y de difícil preservación, esto hizo que el uso de este material
fuera de carácter preparatorio, siendo particularmente utilizado para el aprendizaje de la técnica de dibujo y en
composiciones preliminares a la pintura al fresco o a oleo una vez que se borra fácilmente y permite correcciones. Así
como la sanguínea, este material gana relevancia en el siglo XV con el aparecimiento de fijadores, apareciendo en Venecia
dibujos completamente a carboncillo.
Vestigios de pinturas prehistóricas a carboncillo y sanguínea
Pintura al carboncillo
WebGrafía
http://procedimiententosartisticos.blogspot.com/2013/06/carboncillo-saguinea-y-grafito.html
LA TÉCNICA DE LA PINTURA AL PASTEL
El término “pastel” se deriva de la palabra pasta, que es la masa que se forma al mezclar los pigmentos en polvo con la
goma que los aglutina; pertenece a los medios secos y rápidos de aplicar, los colores o pinturas pastel son: limpios,
intensos y saturados.
Se compone de yeso, pigmento puro y cola; después de mezclar se logra una pasta que se moldea para formar las barras y
se dejan secar. Tanto el tipo del pastel como su calidad dependen de las proporciones de la mezcla de pintura, siendo los
pasteles de alta calidad los que no cuentan con yeso por lo que se convierten en un pastel de pigmento puro.
Dentro de la Historia del Arte la pintura al pastel logra tomar fuerza cuando conquista el dibujo como técnica
independiente, con personalidad propia y no sólo como complemento de la pintura con pincel; ya que además de ser de
rápida aplicación, logra potenciar los volúmenes y acercarse un poco más a la realidad con el soporte del color en los
retratos o la pintura de figura.
CARACTERÍSTICAS:
Su acabado es aterciopelado y luminoso.
Se pueden emplear diversos soportes como la seda, el terciopelo, algunos tejidos; mismos que fueron usados en la
antigüedad, de igual forma se usa el papel con diversas texturas y matices, dependiendo cual sea el que más convenga
para cada artista; sin embargo, el soporte que recomendamos es el papel o los blocks Cansón los más recomendables
para esta técnica ya que son de color uniforme.
Los colores pastel se pueden distinguir por el grado de su blandura.
Las tizas con mayor dureza son los más aptos para esbozar o dibujar.
Las tizas blandas son recomendables para trabajos más pictóricos.
No es lo que erres, sino lo que haces lo que te identifica
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Su brillo puede perdurar durante siglos especialmente los que son realizados en papel sin ácido, ya que los colores son
muy sólidos.
Ventajas:
Es una técnica rápida ya que al ser una técnica seca no se requiere tiempo de secado.
Se pueden superponer líneas finas, realizar veladuras, trabajar con empastes y colores saturados.
No emplea paletas, pinceles y ningún tipo de disolvente ya que se aplica directamente sobre la superficie.
Permite la representación de la realidad.
Sus coles son vibrantes y muy vivos.
Además de lograr finas y suaves aplicaciones se forman coloridos fuertes y dominantes.
Al realizar combinaciones de líneas duras con las sombras correctamente ubicadas se producen representaciones
esculturales.
Esta técnica se puede combinar con otras como la acuarela, acrílico, óleo, collage, al igual que con algunas técnicas secas
y húmedas.
Permite ir añadiendo capas de color una sobre otra.
Se logran excelentes efectos con papeles ligeramente gofrados, ya que este tipo de papel refuerza la plasticidad del
dibujo.
Desventajas:
La obra requiere ser lo suficientemente bien protegida y conservada ya que se vuelve frágil por haberse realizado sobre
papel. Los colores pueden ensuciarse por lo que debe cuidarse de no estar muy expuesto a la intemperie.
Es necesario moderar la cantidad de capas que se agrega a la obra, ya que el exceso puede llegar a estropearlas.
Al finalizar se deben emplear fijadores especiales en spray, ya una de sus dificultades es la adhesión del pigmento a la
superficie.
Aquí les comparto lo que algunos artistas pueden crear con la técnica de la Pintura al Pastel:
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WebGrafía
http://www.todoparacrear.com.mx/tipscreativos/?p=1408
TÉCNICA DE PINTURA EL OLEO
El óleo es una de las mejores técnicas para pintar profesionalmente. Se trata de una mezcla de resinas y aceites con
pigmentos. Los aceites le dan fluidez, y con los pigmentos, se puede hacer la pintura más espesa y dura.
Las pinturas al óleo aportan mucha capacidad de representación porque nos permiten crear muchas tonalidades y la
calidad de los colores es muy alta. Se puede trabajar despacio porque se seca lentamente, lo que permite hacer
degradados, fundidos y sombreados tranquilamente mientras observamos la realidad. Pero sobretodo su éxito radica en
que una vez seca, la pintura continúa teniendo un color vivo y potente, gracias a sus bases aceitosas.
Además, podemos crear nuestras propias pinturas al óleo: Ver la receta para la fabricación del óleo.
VENTAJAS DE LA PINTURA AL ÓLEO:
Color excelente. Según la marca podemos encontrar colores creados con pigmentos de mucha calidad. Por ejemplo los
óleos MAIMERI PURO, con unos pigmentos muy buenos y especiales.
Control del espesor o la fluidez de la pintura. Permite empastes y veladuras. Las pinturas al óleo se pueden disolver con
aceites, esencia de trementina y otros mediums para óleo y también se pueden espesar utilizando pigmentos y oleopasto,
una masa espesa especial para mezclar con óleos.
Material persistente en el tiempo y buena calidad de las pinturas. El óleo existe desde finales del siglo XIV, y las obras de
arte continúan con un color fresco y vivo, después de algunos procesos de limpieza y restauración.
DESVENTAJAS DE LA PINTURA AL OLEO:
El óleo, normalmente, se maneja con Esencia de trementina (aguarrás), que es tóxica y apesta. Por ello es necesario un
sitio con ventilación. Hoy en día existen nuevos óleos que no huelen y se pueden diluir también con otros medios sin tanto
olor ni toxicidad.
El tiempo que necesita el óleo para secarse se puede intentar reducir o alargar con otros líquidos químicos diseñados para
ello, los secativos. Pero el secado nunca será inmediato.
RECOMENDACIONES PARA PONERSE RÁPIDAMENTE A PINTAR:
1. Tener un sitio que puedas preparar y dejar listo con lo siguiente:
Un caballete para el lienzo o madera.
Una caja de pinturas al óleo, una paleta o soporte para mezclar los colores (yo uso un plato, un azulejo, un cristal) y los
médium (líquidos para disolver).
Un montón de pinceles buenos de todos los tamaños y formas. Leer más información sobre los pinceles.
El sitio debe tener aire y luz de calidad.
2. Tener una idea cuanto más clara mejor de lo que se quiere hacer.
3. Disponer de por lo menos dos horas, porque si no, no merece la pena ponerse.
Calcular el tiempo que se necesita para 1) concentrarse, 2) prepararse a pintar, 3) el tiempo que se usa para limpiar y 4)
tiempo para recoger materiales al final. Ese tiempo se resta al total y con eso sabes el tiempo que se tiene realmente para
pintar.
4. No recibir visitas ni interrupciones de ningún tipo. Y menos si te van a dar sus opiniones.
El móvil apagado. Mucho cuidado con los sonidos que nos rodean e influencian.
5. Calcular el grado de comodidad y si hay algo que molesta, detectarlo y arreglarlo.
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Que las cosas estén organizadas y que sea fácil acceder a lo que se necesita es muy importante.
TÉCNICAS SOBRE LA PINTURA AL ÓLEO.
1. Influencia de la Imprimación y el Soporte.
Pintar sobre imprimación en blanco. Se utiliza sobre todo si se desea ir coloreando desde la luz. Muy usado en marinas y
paisajes.
Pintar sobre un soporte coloreado. Pensando que ese color influirá o forma parte de la obra. Por ejemplo, esta técnica se
usa para hacer retratos que surgen de la oscuridad (como en el barroco, donde pintaban de marrón la tela antes de
pintar). Y se usa también en otros estilos modernos donde se deja entre ver el color base.
También influenciará en la obra cómo es el soporte elegido: papeles, cartones, maderas, tablex, lienzos, tipos de telas, y
otros que se puedan elegir.
2. Capacidad expresiva del empaste.
El empaste se puede usar de muchas formas: pintura con espátula, puntillismo o pinceladas, trabajo de pincel, texturas
aplicadas con pasta de color, oleopasto y collage, entre otros medios que la imaginación pueda diseñar.
También influye en la obra si aplicamos a la imprimación una textura específica. Podemos elegir entre polvo de mármol,
piedra pómez, arena u otros similares. Nunca con materiales orgánicos. Sobre este tema se puede ver la
entrada: Materiales para crear texturas en los cuadros.
3. Veladuras, Transparencias y Trabajos tonales.
La veladura funciona mejor o peor según los colores que estemos mezclando y en qué orden. Pero esto ya es una
búsqueda expresiva que se debe buscar a propósito. Esto es porque hay colores que son transparentes y otros que son
opacos.
Las transparencias o veladuras se pueden crear como efectos ópticos y trucos visuales que la pintura logra. Sobre todo con
el trabajo de control del disolvente, el tono y el color.
Más información sobre Veladuras.
4. Fusión de Colores.
Se lleva a cabo gracias a la humedad de la pintura durante el tiempo de secado. Por lo tanto, es un trabajo sobretodo con
los disolventes y la pintura húmeda para alargar ese tiempo de secado. Se utiliza tanto húmedo sobre húmedo como la
técnica del pincel seco para crear degradados.
WebGrafía
http://www.pinturayartistas.com/tecnicas-de-pintura-el-oleo/
TÉCNICA EL ACRÍLICO
Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos en un aglutinante
acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido acrílico). El medio así resultante es soluble en agua.
Su secado es rápido y el acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio).
Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada (incluso con otra técnica), es muy estable,
resistente a la oxidación, etc., siendo la técnica que menos problemas tiene de cara a su conservación.
Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un medio acrílico con blanco
de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse.
Esta técnica se asocia al Arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta, principalmente en el ámbito
americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rothko ... ) y entre los pintores de los valores geométricos y del Pop Art
(Warhol, Wesselmann... ).
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WebGrafía
http://josecabello.com/pintura-con-acrilicos.html
TÉCNICA DEL ROTULADOR
La técnica de rotuladores es la más moderna de las técnicas. Su sencillez y vistosidad permite trabajos muy expresivos.
Procedimientos:
Los rotuladores utilizan tintas de gran transparencia, por lo el resultado final dependerá en gran medida del color base del
papel… se aconsejan papeles blancos que potencian su luminosidad. Las manchas de color blanco, en principio, se
obtendrán dejando el papel sin colorear. Los negros, a través del rotulador correspondiente o bien por saturación y
superposición de matices.
Se pueden utilizar “en seco” o “en húmedo”. Es recomendable explorar ambas posibilidades e incluso combinarlas.
En seco, aprovechando la fuerza del trazo, coloreando a base de líneas, superponiendo colores, permitiendo que estas
líneas sean visibles a simple vista o no.
En húmedo, diluyendo las líneas y creando manchas acuareladas. Dependiendo del tipo de rotulador (base de agua o de
alcohol) utilizando un medio u otro para conseguirlo.
WebGrafía
http://www.academiataure.com/dibujo/rotulador
TÉCNICA DE LA ACUARELA
Acuarela, etimológicamente, deriva del latín "aqua" y el diccionario nos lo define como "pintura realizada con colores
diluidos en agua y que, emplea como blanco, el color del papel" o "colores con los que se realiza la pintura".
El agua es el medio por el cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos en
este medio, aglutinados con otras sustancias como por ejemplo goma del Senegal, goma arábiga o tragacento, a lo que,
los muy puristas, añaden otros componentes como glicerina, miel, hiel de vaca, un agente conservador como puede ser el
fenol o el ortofenilfenato de sodio ...
A estas disoluciones se les denomina tintas y los baños con los que bañamos el papel usando el pincel u otro medio, se le
llama aguadas.
Los colores de acuarelas se forman con un compuesto de pigmentos secos, en polvo, mezclados con goma arábica y
solubles en agua. En la práctica, los colores ya preparados se disuelven, en el mejor de los casos, en agua destilada y se
aplican al papel por medio de un pincel.
La característica principal de los trabajos en acuarela es la transparencia que producen estos pigmentos diluidos, lo que
hace también que la técnica sea difícil, como difícil resulta la tarea de corregir o disimular algún error que, en el periodo
de ejecución se produzca, aunque siempre existe algunas posibilidades que brinda el conocimiento y comportamiento de
la acuarela, lo que unos denominan trucos o recursos.
Desde finales del siglo XIX, la pintura "a la acuarela" ha gozado de gran popularidad, siendo esta popularidad, la causante
de cierto desprestigio ya que, el termino pintar "a la acuarela" se asociaba, automáticamente, a ciertos estratos de la
sociedad que gozaba de una posición económica desahogada y que convertía, su afición por la pintura, en un pasatiempo
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ameno, usando las acuarelas como medio de expresión, ejecutando una y otra vez paisajes bucólicos, delicados, usando y
abusando de los tonos pastel. A pesar de todo, los artistas han seguido utilizando la acuarela de forma creativa y
aplicándola a los temas más diversos.
El agua es la protagonista de la acuarela y la causante de la excepcional transparencia y luminosidad que la caracterizan,
imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En su utilización interviene el agua junto a una pequeña cantidad
de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa tan diáfana que permite que el color blanco
del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.
Todavía existen detractores de la acuarela, que la tachan de ser una técnica de "segunda", apoyándose en argumentos
como la inestabilidad del color.
La transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica es la de presentar un aspecto muy vivo, cuando
están húmedas y apagadas, atenuadas, claras una vez la obra seca. Esta transformación de aclarado que, evidentemente
cambia el aspecto de la obra final, puede llegar, aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con las
que hayas cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Por esto hay que tener en cuenta este proceso, a fin de conseguir el
aspecto final lo más próximo a tu percepción.
A pesar de que algunos puristas defienden que existe una forma correcta de pintar con acuarela, sin salirse de las normas
establecidas en tiempos pretéritos, en la actualidad, cada vez son más los artistas que, persiguiendo un resultado final,
utilizan y mezclan técnicas en la misma obra.
La técnica debe ser utilizada en beneficio de la obra y por lo tanto, nunca esta deberá ser más importante que lo que se
pinta
WebGrafía
http://www.todacultura.com/acuarelas/
Parte Artística a desarrollar en artesanías lámpara de cucharillas y Kirigami
Parte Práctica para el trimestre
Montar Comparsa (Ritmos llaneros) grupos de seis estudiantes
Montar Fonomímica grupos de cuatro estudiantes
Montar Gimnasia todo el grupo (grados 9º y 10º Tarde por separado)
Montar Baile Show grupos de seis estudiantes
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