25_Arte Post Expresionista_Dadá y Surrealismo

Universidad Veracruzana
Facultad de Historia
HISTORIA DE ARTE
ARTE POSTEXPRESIONISTA
Neoprimitivismo
Dadá
Surrealismo
Maestro: Dr. Raúl Romero Ramírez
Ideas
Estéticas
MODERNISMO DEL SIGLO XX
MATERIALISTA HERÓICO
Estilos Post Expresionistas
La crisis de la Representación de la Realidad
BELLEZA
Neoprimitivismo
Dadaísmo
Surrealismo
Sentido
Acercarse a revalorar las
culturas primitivas
Ir en contra de lo existente en el
arte
Conectar la irracionalidad la
subconsciencia y el automatismo
psíquico
Gusto
Trazos y motivos exóticos
basados en culturas
primitivas
Por lo absurdo e irracional
El misterio y el enigma ; por
personajes ilógicos e irreales
Ideal
Mantener la forma primitiva
de vida experimentando en
ella
La destrucción del arte y la
cultura en búsqueda de una
“auténtica realidad”
Causar el mayor de los
desconciertos
Valor
La negación al progreso
Irracionalidad
Enfocarse a los problemas
fundamentales de la vida y del
hombre
Pasión
Apertura de los sentidos a lo
exótico ; la libertad al
natural
La irritación, el escario y la burla
a lo existente
Preocupación por el presente y la
excentricidad en su análisis
Sentimientos
Primitividad y sencillez
Destrucción ; irritación ; burla
Preocupación y desconcierto ;
ironía ; crítica paranoica
POST EXPRESIONISMO
El arte pos expresionista esta basado en teorías neoprimitivistas en donde el subconsciente
del autor propone la apertura de los sentidos a lo exótico; a la libertad al natural; al trazo
primitivo del color y a la sencillez de lo abstracto.
Esta visión da por resultado tres estilos muy distintos cada uno pero ligados entre sí por una
preferencia social crítica: Neoprimitivismo, Dadaísmo y Surrealismo.
El neo - primitivismo es un movimiento artístico iniciado por el neo - primitivismo
del Manifiesto en 1913 de Aleksandr Shevchenko , pintor y teórico de vanguardia
En el manifiesto, Shevtchenko propone un nuevo estilo de pintura moderna que es
una fusión de elementos del arte Cézanne , el cubismo y el futurismo a las
convenciones y motivos de "arte popular" tradicional de Rusia, en particular su
iconografía y la "lubok ", una especie ancestral de cómics utilizados con fines
decorativos en hogares y lugares de alojamiento desde el siglo XVII.
Los artistas relacionados con el neo-primitivismo ruso, tanto de Rusia como
aquellos que practicaron el neoprimitivismo en la pintura, incluso sin ser parte del
grupo neo-primitivista, fueron:
Aleksandr Shevtchenko.
Marc Chagall.
Kazimir Malevich.
Pavel Filonov.
David Burliuk.
Natalia Goncharova.
Mikhail Larionov.
Igor Stravinski.
Aleksandr Shevchenko.
Mujer con capuchón. 1920.
Pescadora 1933.
Green Violinist. Marc Chagall. 1924.
I and the Village. Marc Chagall. 1911.
Over Vitebsk. Marc Chagall. 1915.
Las Cortadoras. Kazimir Malevich. 1912.
Un inglés en Moscú, Kazimir
Malevich.1914.
Banquete de Reyes. Pavel Filonov.
Once cabezas. Pavel Filonov.
Spring. David Burliuk, 1914.
Curtain for Le Coq d'Or: Third Act. Natalia Goncharova.
Icon painting motifs. Natalia Goncharova.
Una bailarina de circo. Mikhail Larionov
Primavera. Mikhail Larionov. 1912.
Red and blue. Rayonismo. Mikhail Larionov.
MARCEL JANKO O JANCO (1895-1984)
Estudiante de arquitectura rumano, se
hallaba en Zurich cuando se integró al
grupo Dadá junto con su compatriota el
poeta Tzara.
El Dadáismo es un estilo improvisado de lo
inmediato. Se escogió su nombre al azar
en un diccionario Lrousse y Dadá significa
“Sí sí” o “caballito de juguete” en rumano.
Pretende la destrucción de todo el arte y la
cultura establecidos hasta entonces a
través de la irritación, el escarnio, o la
burla, con irracionalidad e intuición con el
fin de cambiarlo por “una auténtica
realidad”.
Prière, eclaire du soir (1919)
La obra refleja las preocupaciones formales
de la plástica de una época que habrá
descubierto las posibilidades de la
abstracción.
A la corta edad de 17 años, cuando aun se
encontraba
cursando
sus
estudios
secundarios, Janco comenzó a publicar
junto a Tristán Tzara e Ion Vinea una
publicación llamada Symbol.
Algunos años más tarde Janco y Tzara se
volverán a encontrar y fundarán, junto a
otros artistas, el grupo “Artistas Radicales”,
movimiento embrionario del Dadaísmo.
Portrait of Tristan Tzara 1927.
Lajos Tihanyi (1885-1938)
Tristan Tzara o Izara (1896-1963) es el
seudónimo del poeta y ensayista rumano
Samuel Rosenstock. Hacia fines de 1929
se embarcó en el recién inaugurado
movimiento surrealista de André Breton,
Louis Aragon y otros autores; dedicó
grandes esfuerzos a intentar conciliar las
doctrinas filosóficas nihilistas y sofisticadas
del movimiento con su propia afiliación
marxista. Participó activamente en el
desarrollo de los métodos de escritura
automática, entre ellos el collage y el
cadáver exquisito. De esa época data su
libro L'Homme approximatif ("El hombre
aproximativo", 1931).
JEAN o HANS ARP
(1886-1966)
Arp, escultor, poeta y
pintor francoalemán,fue el
más destacado artita
plástico del grupo Dadá
de Zurich, y uno de los
primeros en explorar las
posibilidades del azar y
del “dibujo automático”.
Placa de huevos (1920)
Obra en madera
recortada y pintada, una
de las primeras
composiciones a base de
formas elementales
reunidas con cierto
carácter irónico.
Hans Arp: Bewegtes Tanzgeschmeide
(1960)
HansArp: CloudShepher (1953)
Photo taken at the Covered Plaza of the Central
University of Venezuela
KURT SCHWITTERS (1887-1948)
Fue un artista alemán, pintor, escultor,
poeta y diseñador gráfico, nacido en
Hannover. Excluido del movimiento
Dadá Berlin, reacciona fundando Dadá
Hannover. Este movimiento se fundó
sobre el apoliticismo (en las antípodas
de las concepciones del grupo Dadá en
Berlín , que se caracterizaba por estar
comprometido políticamente), lo
fantástico y el constructivismo. Sus
principales pilares eran la revista Merz y
el arte del mismo nombre.
Formas en el espacio (1920) Coullage
En Noviembre de 1919 Schwitters fue
colaborador en los números de la revista
Dadá editada en Zurich. En 1920 fue
incluido en la nomenclatura del
movimiento Dadá, pero Huelsenbeck se
opuso enérgicamente a dicha
postulación en su Dadá Almanach,
editado en ese mismo año. El 1 de
Septiembre de 1921, se realizó en Praga
un encuentro de artistas denominado
ANTI-DADÁ y MERZ.
En 1937, trece obras pictóricas de
Schwitters fueron retiradas de
museos alemanes, se exhibirían en
la muestra de "Arte Degenerado"
organizado por el régimen nazi
para humillar a los artistas de
tendencias indagativas y críticas
como los Dadá.
Posteriormente fueron destruidas y
quemadas junto a centenares de
obras de artistas contemporáneos
como a Schwitters, por atentar
contra "el buen gusto, la dignidad y
los valores elevados del arte
alemán".
KURT SCHWITTERS
Estrellas (1920) Coullage
Schwitters consideraba, así como
un buen número de sus
contemporáneos, que la civilización
humana estaba llevando,
paradójicamente, a la humanidad a
un estado de locura que podría
aniquilar toda esperanza de un
porvenir mejor.
Tomaba desechos como materia
prima para la ejecución de sus
obras porque éstos eran el fiel
reflejo de lo que la civilización era.
Se comenta que en una
conversación respecto al empleo de
materiales como los usados por él
dijo: "Si el mundo es una mierda,
hagamos de la mierda Mundo«.
KURT SCHWITTERS Construcción
para damas nobles (1919)
MAX ERNST
Collage (1919)
MAX ERNST (1891-1976) Pintor y escultor alemán, nacionalizado francés.
Formó parte del movimiento dadaísta de Colonia, aunque desde 1919 ya
realizaba asociaciones en sus obras que pueden considerarse casi surrealistas.
Practicó diversas y originales técnicas pictóricas, siempre dentro de la estética de
lo absurdo y dictadas por el automatismo característico del surrealismo. Empleó
durante toda su vida el procedimiento del collage.
MAX ERNST
Coleccción de Bosques
(1928)
También usó el recurso de la decalcomanía, con el que duplicaba manchas de
forma simétrica, y el método del frottage, que consistía en la reproducción de
texturas, al pintar sobre un papel superpuesto a una superficie con relieves.
Con este procedimiento trabajó sus colecciones de Bosques y de la Historia
Natural entre 1926 y 1928.
MAX ERNST
La mujer tambaleante (1923)
La técnica sinéctica utilizada por
Ernst, proviene del griego Synectikos
que significa “avanzado juntos” o
“atraer cosas diferentes en una única
conexión”.
Cada acción o pensamiento creativo
es un pensamiento sinéctico.
La sinéctica es una manera de tener
cosas mentalmente y unirlas para
obtener un nuevo enfoque para
diversos problemas.
La sinéctica fomenta la capacidad de
vivir
con
la
complejidad
y
contradicción, la sinéctica estimula el
pensamiento creativo,
prevé un
conocimiento libre de perjuicios.
MAX ERNST
Los hombres no se
enterarán (1923)
Gran parte de su producción se
caracteriza
por
una
temática
inquietante y por la aparición de
formas orgánicas y minerales que
crean una atmósfera de pesadilla.
La crítica a la carencia de intimidad y
manejo de una «mano invisible» en
las vidas de los hombres «libres» es
el tema.
FRANCIS PICABIA
(1879-1953)
Picabia fue un artista
vanguardista francés
de origen cubano.
Trabajó en casi todos
los estilos
contemporáneos más
destacados, como el
impresionismo, el
cubismo, el fauvismo,
el orfismo, el
dadaísmo, el
surrealismo y el arte
abstracto.
FRANCIS PICABIA
Hija nacida sin madre (1916-1917)
Hizo también pintura
figurativa, dibujo y
collage.
Junto a la revista Dada, fue la más
importante de este movimiento.
Poco después de 1917, Picabia viajó
a París, donde entró de lleno en el
círculo dadaísta conducido por Tristan
Tzara, participando en
manifestaciones y otros escándalos.
En 1922 Dalmau organizó una
exposición que reunió 46 obras de
Picabia, con un catálogo editado por
André Breton.
Las obras anteriores a 1922 podrían
calificarse como mecanomorfas, que
mucho deben al dinamismo futurista.
FRANCIS PICABIA
Un hombre, una mujer (1918)
FRANCIS PICABIA
El machacador (1920)
GIORGIO DE CHIRICO
(1888-1978)
Pintor italiano fundador del
movimiento artístico «scuola
metafísica» gracias a que entró en
contacto con las obras de los
filósofos como Nietzsche y Arthur
Schopenhauer, además de estudiar
las obras de Arnold Böcklin y Max
Klinger.
El Dadaísmo y la pintura metafísica
impulsan la creación del
Surrealismo.
Como fondo de su pintura, campo
primordial en el que se manifiesta
aparte el cine, se halla el mundo
del subconsciente las teorías
freudianas, las ciencias ocultas, los
sueños, la locura, el hipnotismo, y
un mundo onírico en general.
GIORGIO DE CHIRICO
La conquista del filósofo
(1914)
Casi de inmediato, el escritor Guillaume
Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le
ayudó a presentarlo al grupo que más
tarde se dedicaría al surrealismo.
Yves Tanguy escribió en 1922, que quedó
tan impresionado al ver una obra de De
Chirico en un aparador de una galería,
que decidió en ese momento convertirse
en artista, aún sin haber tocado un pincel
en su vida.
Otros artistas que han reconocido la
influencia que han recibido de Giorgio de
Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y
René Magritte.
Se considera a De Chirico una de las
mayores influencias sobre el movimiento
surrealista.
GIORGIO DE CHIRICO
Héctor y Andrómaca (1970)
MAX ERNST (1891-1976)
Fue un artista alemán nacionalizado
francés considerado figura fundamental
tanto en el movimiento dadá como en el
surrealismo.
En 1922 se trasladó a vivir a París,
donde comenzó a pintar obras
surrealistas en las que figuras humanas
de gran solemnidad y criaturas
fantásticas habitan espacios
renacentistas realizados con detallada
precisión.
En 1925 inventó el frottage (que
transfiere al papel o al lienzo la
superficie de un objeto con la ayuda de
un sombreado a lápiz); más tarde
experimentó con el grattage (técnica
por la que se raspan o graban los
pigmentos ya secos sobre un lienzo o
tabla de madera) y recurrió luego al
collage.
Los grandes enamorados (1924)
Ernst creó obras de «escritura automática».
Marx Ernst
Lección de Escritura Automática
(1924)
Desde el punto de vista literario, la escritura
automática se trata de un método defendido y
usado principalmente por André Breton y los
surrealistas, en la primera mitad del siglo XX,
considerando que de esa forma el yo del
poeta se manifiesta libre de cualquier
represión y dejando crecer el poder creador
del hombre fuera de cualquier influjo
castrante.
La escritura automática es la evocación lineal de sentidos que proviene de cosas de ocho
sensaciones conscientes de quien intenta escribir diariamente.[1] Es una forma de hacer que
aflore el subconsciente. Consiste en situar el lápiz sobre el papel y empezar a escribir,
dejando fluir los pensamientos sin ninguna coerción moral, social ni de ningún tipo. En
ocasiones se realiza en estado de trance, aunque no es necesario que sea así.
Su propósito es vencer la censura que se ejerce sobre el inconsciente, merced a unos actos
creativos no programados y sin sentido inmediato para la consciencia, que escapan a la
voluntad del autor. Entonces compone directamente el inconsciente, liberado de la censura.
ANDRÉ MASSON (1896-1987)
Fue un Pintor francés asociado al surrealismo y
al expresionismo abstracto.
En 1912, entra en la Escuela de Bellas Artes y
estudia pintura al fresco y para 1914, lee la obra
de Friedrich Nietzsche, quien ejercerá una
poderosa influencia sobre él a lo largo de toda
su vida.
Para 1920, se instala en París y comienza a
relacionarse con algunos artistas y escritores,
conoce a Max Jacob. En su obra de los
primeros años veinte es evidente la influencia
de Rodin y Sade, en sus dibujos eróticos y en la
acuarelas. Pinta también paisajes,
especialmente bosques, naturalezas muertas y
figuras agrupadas alrededor de una mesa. Su
estilo es entonces cubista.
André Masson Metamorfosis (1927)
En 1924, hace su primera exposición individual,
orgnizada por Kahnweiler en la galería Simon.
Breton admira la exposición; Masson se vuelca
de lleno en las técnicas del automatismo
surrealista y en 1927, conoce a Giacometti y
bajo su supervisión, realiza su primera escultura
titulada Metamorfosis
Masson pugnó en sus obras por indagar en el
estrecho vínculo que une al hombre con su
naturaleza profunda.
Tal pareciera que los habitantes de su Dite
personal- de morfologías rebosantes de ser,
entes a punto de colapsarse de pura voluntad
de existir- hubiesen asimilado toda la fuerza vital
del espíritu silvestre del mundo.
Y tal vez haya sido así, tras la tras la obra de
Masson todo parece más insustancial: literalmente hablando, sin más.
Cuando Teseo, llegó al final del cordel del dulce
canto, sólo se encontró: solo en su interior: la
cornamenta enhiesta ofrenda a un cielo vacío,
los ojos torcidos entre lágrimas de Mercurio, la
sonrisa turbia de re-conocimiento sincero… que
al fin comprende.
El laberinto (1938)
JOAN MIRÓ (1893-1983)
En su obra reflejó su interés en el
subconsciente, en lo "infantil" y en su
país. En un principio mostró fuertes
influencias fauves, cubistas y
expresionistas, pasando a una pintura
plana con cierto aire naïf.
A partir de su estancia en París, su obra
se vuelve más onírica, coincidiendo con
los puntos del surrealismo e
incorporándose a este movimiento.
Uno de sus grandes proyectos fue la
creación en 1975, de la Fundación Joan
Miró, ubicada en Barcelona, centro
cultural y artístico para difundir las
nuevas tendencia del arte
contemporáneo, constituyéndose con un
gran fondo de obras donadas por el
autor.
El bello pájaro descifra lo
desconocido a una pareja de
enamorados (1939-1941)
Conjunto de “Las Constelaciones”
JOAN MIRÓ
La corrida de toros (1945)
YVES TANGUY (1900-1955)
Gracias a su amistad con Jacques
Prévert, Tanguy fue admitido
alrededor de 1924 en el círculo de
surrealistas de André Breton.
Tanguy desarrolló con rapidez su
propio estilo pictórico, celebrando
su primera exposición individual
en 1927 en París.
Ese mismo año se casó por
primera vez. Durante esta época
tan ocupada de su vida, Breton
celebró con Tanguy un contrato
para pintar 12 cuadros al año. Con
sus ingresos fijados, pintó menos
y acabó haciendo sólo 8 obras de
arte para Breton.
El tiempo amueblado (1939)
A lo largo de los años treinta,
Tanguy llevó la vida bohemia
del artista que lucha por
abrirse paso, lo que con el
tiempo llevó al fracaso de su
matrimonio.
En 1938, después de ver la
obra de la artista Kay Sage,
Tanguy comenzó una relación
con ella que, con el tiempo, le
llevaría a su segundo
matrimonio.
Je vous attends, Yves Tanguy 1934
Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Sage volvió a su ciudad natal, Nueva York, y Tanguy,
al que se consideró no apto para el servicio militar, la siguió. Pasó el resto de su vida en los
EE. UU. Sage y Tanguy se casaron en Reno, Nevada el 17 de agosto de 1940.
Cuando la guerra iba a acabar, la pareja se trasladó a Woodbury, Connecticut y
transformaron una antigua granja en un estudio para artistas. Vivirían allí el resto de sus días.
En 1948 Tanguy se convirtió en ciudadano norteamericano.
René François Ghislain Magritte
(1898-1967), fue un pintor
surrealista belga. Conocido por
sus ingeniosas y provocativas
imágenes, pretendía con su
trabajo cambiar la percepción
precondicionada de la realidad y
forzar al observador a hacerse
hipersensitivo a su entorno.
Magritte dotó al surrealismo de
una carga conceptual basada en
el juego de imágenes ambiguas y
su significado denotado a través
de palabras poniendo en cuestión
la relación entre un objeto pintado
y el real.
En obras como La túnica de la aventura (1926)
expresa su sentido del misterio del mundo por medio
de la irracional yuxtaposición de objetos en una
atmósfera silenciosa.
En 1922 ve una reproducción de
La canción de amor de De Chirico,
que le impresiona profundamente,
y a partir de 1926 se independiza
de las influencias anteriores y
basa su estilo en el de De Chirico.
En 1927 Magritte se establece en
las cercanías de París y participa,
durante los tres años siguientes,
en las actividades del grupo
surrealista (sobre todo, se
relaciona con Éluard, Breton, Arp,
Miró y Dalí).
Aporta al Surrealismo parisino un
resurgimiento del ilusionismo. A
diferencia de Dalí, Magritte no usa
la pintura para expresar sus
obsesiones privadas o sus
fantasías, sino que se expresa
con agudeza, ironía y un espíritu
de debate, como en El Hijo del
hombre (1964).
El Hijo del hombre (1964). La pintura consiste en un
hombre con traje y un sombrero de hongo que se
colocan delante de una pequeña pared, más allá de la
cual está el mar y un cielo nublado. La cara del hombre
esta obscurecida en gran parte por una manzana verde
de cernido. Sin embargo, los ojos del hombre se
pueden mirar a escondidas sobre el borde de la
manzana. Otra característica sutil es que el brazo
izquierdo del hombre desaparece al doblar al revés en
En 1928 participa en la exposición
surrealista en la galería Goemans
de París, pero debido a la critica,
en 1930 regresa a Bruselas
huyendo del ambiente polémico
parisino, y allí pasa tranquilo el
resto de sus días.
MAGRITTE
Manía de Grandezas (1961)
Golconde (1953)
Salvador Felipe Jacinto Dalí i
Domènech, marqués de Dalí y de
Púbol (1904.1989), fue un pintor,
escultor, grabador, escenógrafo,
dibujante y escritor español,
considerado uno de los máximos
representantes del surrealismo por
sus impactantes y oníricas imágenes.
Sus habilidades pictóricas se suelen
atribuir a la influencia y admiración por
el arte renacentista.
Como artista extremadamente
imaginativo, manifestó una notable
tendencia al narcisismo y la
megalomanía, cuyo objeto era atraer
la atención pública.
El retrato de la artista Mae West
“que puede utilizarse como apartamento
surrealista” Salvador Dalí (1934 y 1935).
Está realizada en gouache sobre papel
periódico, se conserva en el Instituto de Arte
de Chicago.
La interpretación
general es que esta
pintura, que
representa a
muchos relojes de
fusión, es un
rechazo del
tiempo como una
influencia sólida y
determinista del
autor.
La persistencia de la memoria (1931) es la pintura más conocida de Salvador Dalí, y hay
muchas referencias a esta obra en la cultura popular. Aunque se conjeturó que los relojes
blandos de fusión fueron el resultado de la interpretación de teoría de la relatividad de Dalí.
Dalí afirma que su inspiración fue el queso camembert de fusión bajo el sol. La secuencia de
los relojes derretidos en un paisaje desarticulado es la representación de un sueño que Dalí
había experimentado, la cifra en el medio de la pintura es la cara del propio soñador.
Cristo de San Juan de la Cruz
Salvador Dalí,1951.
Está hecho mediante la técnica del óleo sobre
lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son
205 x 116 cm. Se conserva en el Museo
Kelvingrove, en Glasgow, Reino Unido.
La originalidad de la perspectiva y la habilidad
técnica a la hora de pintar el cuadro lo han hecho
muy popular, hasta el punto de que en los años
cincuenta, un fanático realizó un acto vandálico
contra él de poca gravedad.
Durante los años cincuenta, el artista volvió a
recurrir varias veces al tema de la crucifixión. Un
ejemplo es el Corpus hypercubus, pintado en
1954.
Para pintar este cuadro se basó en las teorías
contenidas en el Discurso sobre la forma cúbica
del arquitecto del siglo XVI, Juan de Herrera,
responsable del Monasterio de San Lorenzo de El
Escorial.
La apoteosis del dólar es una obra de grandes dimensiones del artista español nacido en
Figueras, Salvador Dalí.
Esta obra ha sido calificada como una respuesta al anagrama Avida Dollars del artista
surrealista André Breton.
El cuadro es considerado como una obra cumbre del artista y que cierra el periodo de trabajo
que va desde 1941 hasta 1970. Antoni Pitxot, artista surrealista también y amigo de Dalí, la ha
definido como "la plenitud y al mismo tiempo la recopilación de toda una vida de artista.
Victor Brauner (1903 - 1966) fue un
pintor judío rumano, En 1930 se
estableció en París, donde conoció a
Constantin Brancusi, quien le instruyó en
los métodos de la fotografía artística.
En esta misma época se convirtió en
amigo del poeta rumano Benjamin
Fondane y conoció a Yves Tanguy, quien
más tarde le introdujo en el círculo de los
surrealistas.
En 1931 pintó un autorretrato con un ojo
tuerto, un tema premonitorio.
Kabyline en acción (1960)
Joya rumana. Victor Brauner.