PINTURA : ICONOGRAFÍA Y SIMBOLISMO
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HISTORIA DEL ARTE GÓTICO PINTURA : ICONOGRAFÍA Y SIMBOLISMO CAROLINA GILABERT SÁNCHEZ UNIVERSIDAD PABLO DE OLAVIDE Tomares, 19 Febrero 2014 Precedentes: Pintura románica • Para entender la pintura gótica debemos hacer una breve introducción sobre el periodo artístico anterior; en la pintura desarrollada en Europa durante los siglos XI y XII, el arte románico. • Pero ¿de dónde procede este arte dramático e ingenuo a un tiempo? Doble raíz: síntesis del arte estático e hierático ascendiente en el mosaico bizantino y de las miniaturas de los códices mozárabes, con sus estilizaciones dibujísticas, sus pliegues paralelos y sus rasgos desorbitados. Maiestas Domini. Maestro de Tahull Pintura románica predominaba el uso de la línea de contorno: - Delimita las figuras - Diferencia los planos de colores - Delimita el espacio - Gusto ornamental por los pliegues - Iconografía religiosa: Pantocrator solemne rodeado de los Evangelistas. Características de la pintura románica: - Dibujo grueso. - Color puro, sin mezclas, con dos tonalidades a lo sumo. - Carencia de profundidad y luz. - Composiciones yuxtapuestas: preferencia por las formas frontales y por la eliminación de cualquier forma que rompa el plano. - El muro se prepara al fresco de forma concienzuda. - Por tanto, una concepción antinaturalista de la pintura. Detalle ábside San Clemente de Tahull: Ofrece un conjunto impresionante de figuras, en las que el Cristo en Majestad destaca por la penetración de los ojos terribles. Maiestas Mariae. Escenas de la vida de la Virgen María . Maestro de Tahull (hoy en el Museo de Barcelona) Vidrieras y Libros Ilustrados • Influjo de lo bizantino • Miniaturismo • Figuras naturalistas, de fuerte corporeidad y volumen • Matización cromática y uso de línea de contorno • Cambio del soporte pictórico Embalsamamiento de Cristo y las tres Marías al pie del sepulcro. 1265. Salterio Ingeburge Transición al GÓTICO PLENO SIGLO XIII, COMIENZOS DEL S. XIV PINTURA GÓTICA ITALIANA • Curiosamente es en la pintura donde mejor se define el espíritu gótico italiano. • Se sigue dando importancia a la pintura mural, al contrario que en el resto de Europa; al mismo tiempo que el retablo adquiere importancia. • El cambio se lleva a cabo en tres núcleos diferentes: Roma, Siena y Florencia. Ubicación_ Pintura gótica en Italia Focos: Roma, Siena y Florencia CARACTERÍSTICAS • Frente a la más primitiva pintura italiana de influencia bizantina, preocupada por la decoración y el dibujo plano, la pintura del Trecento muestra un mayor interés por la belleza naturalista y el juego de los volúmenes. CAVALLINI constituye el punto de partida de la nueva pintura, los mosaicos de Santa Maria in Trastevere reflejan el mayor naturalismo. CIMABUE Maestà. Iglesia de la Santa Trinidad de Florencia. Composición clara y sencilla, de dibujo preciso y formas generosas; que posee además un importante componente bizantino. En los primeros años del siglo XIV, la actividad pictórica se acelera y aparecen en Toscana las dos escuelas de pintura que constituyen el antecedente directo del Renacimiento, la florentina y la sienesa. La escuela Florentina: Tiene en Giotto su máximo representante; por su extraordinario y profético lenguaje pictórico marca una auténtica revolución en la historia de la pintura. Giotto rompe los convencionalismos del denominado estilo bizantino. Su técnica y planteamiento artístico añade valores de modernidad estética en las artes decorativas del periodo gótico. Giotto di Bondone - Perteneciente a la escuela florentina Innovación técnica: - Primer autor que firma sus obras. - Inaugura el sentido plástico de la pintura. - Coloca las figuras de espaldas para dar noción de volumen. - Intuye la profundidad, aunque el fondo de sus composiciones es un telón. - Valora el paisaje y el espacio, aunque la figura es protagonista. - Representa personajes con miradas penetrantes. - Utiliza colores simples y planos. San Francisco predicando a los pájaros. 1298. Giotto Madonna di Ognisantti, Galería Uffizi. Giotto - Clara influencia de la Madonna de Cimabue. Misma función y mismo tema. - El trono no queda colgando en el espacio. - Figuras laterales quedan relegadas. No superan la altura de la cabeza del niño. - La Virgen mira al espectador, acercando su imagen al espectador. El prendimiento de Jesús de la Capilla Scrovegni de Padua .Giotto Los sacerdotes expulsan del templo a San Joaquín por no tener descendencia. 1304-1306. Capilla Scrovegni de Padua. Giotto Comparación de las dos Madonnas : Cimabue y Giotto Escuela de Siena: Destaca por su delicadeza y elegancia que sugiere una afinidad con el gótico del estilo internacional; sintetiza el recuerdo del arte de Bizancio, por un lado, y el nuevo lenguaje propuesto por el genio artístico del Giotto, por otro. La belleza de las líneas, la proliferación de las figuras y temas diversos que complican enormemente la composición y el carácter decorativo del color constituyen sus principales características. Sus máximos exponentes serán Duccio di Buonisegna y Ambrogio Lorenzetti. Duccio di Bouninsegna - Trabajó en la ciudad de Siena, si bien su papel no resultó definitivo - Realizó obras muy cercanas a lo bizantino - Destaca por su sensibilidad cromática Duccio di Buonnisegna: La Majestad, 1308. Puede considerarse a este pintor con esta pintura de la Virgen en Majestad, como el creador de la escuela sienesa. Ambrogio Lorenzetti • Junto a su hermano, importante representante de la pintura sienesa. • Muestra el movimiento, la vida, el sentimiento y el ritmo de manera segura. • Autor de diversas vírgenes de gran éxito. • Conocido por el ciclo cívico encargado por el Común de Siena, donde al fresco, representa simbólicamente al buen y el mal gobierno, con sus respectivas consecuencias sobre la ciudad. Efectos del buen gobierno. Lorenzetti SIMONE MARTINI • Principal exponente de la pintura sienesa • Gran preciosista, delicado y refinado. • Muestra un claro gusto por las caras ovaladas y los ojos diminutos. • El color se torna preciosista y decorativo • Encarnación del espíritu femenino. • Mantiene el gusto por lo bizantino. • Acumulación de figuras y elementos anecdóticos. Maestá. 1315-1316.Palazzo Pubblico Siena. Simone Martini. Retrato ecuestre del condotiero Guidoriccio da Fogliano. 1328. Palazzo Pubblico Siena. Simone Martini. La Anunciación. 1333. Simone Martini. La difusión en Europa de este primer gótico italiano, no tuvo la misma resonancia que el modelo importado desde Francia. En Cataluña, la familia Serra creó un estilo propio, utilizando el ilusionismo espacial, creando unas composiciones plácidas y agradables. LA PINTURA GÓTICA EN ESPAÑA • DESPUÉS DE ITALIA, es España el país que ofrece más interés por la pintura durante la Edad Media. En España se trabajará poco la pintura mural al fresco, prefiriéndose la tabla y olvidándose de la tradición fresquista románica, sin embargo, se mantendrá vivo el interés por el color y una expresividad llena de naturalismo. • La pintura es la manifestación plástica donde menos se aprecian las dependencias del extranjero, ya que cuando llega aquí una influencia se asimila para recrearla en arte genuino. • Las más importantes escuelas pictóricas que se desarrollan en Europa durante el gótico, son la italiana, la borgoña y la flamenca. En este orden irán percibiéndose las variaciones de estilo y con frecuencia suele clasificarse nuestra pintura en función de estas influencias. Retablo de la Cofradía del Espíritu Santo. Catedral de Manresa, siglo XIV. Pere Serra - Los hermanos Serra son los mejores representantes del Trecento catalán. Participan de la elegancia y refinamiento sienés. Utilizan fondos dorados - Escenas ordenadas cronológicamente - Composiciones sencillas, muy expresivas y con un acusado naturalismo idealizado. LLuis Dalmau: Verge dels Consellers, Museo de Barcelona, siglo XV. Es asombrosa la fidelidad con que el artista capta el espíritu de los Van Eyck. La obra podría tomarse como flamenca. Bartolomé Bermejo: Santo Domingo de Silos, Museo del prado, 1474. EN este monumental retrato Bermejo retorna a los recursos medievales- casi bizantinos- para transmitir solemnidad y eternidad. Por eso emplea fondos dorados, muy planos, con estofados y relieves y, especialmente recurre al hieratismo y frontalidad de la figura. GÓTICO INTERNACIONAL SIGLOS XIV Y XV Entre 1385-1390, y 1425-1450 en toda Europa, se da un tipo de pintura y miniatura de cierta homogeneidad. Mientras que en escultura es posible distinguir diversas corrientes. Se conserva el gusto por los ritmos curvilíneos, pero se ha perdido la línea de contorno a favor del color. El interés por el espacio no se extiende a todos los artistas, si bien se producen importantes avances en este campo. Son varios los focos principales de este nuevo estilo: París, Praga, Florencia, Valencia y Cataluña. Virgen María con el niño rodeada de once ángeles. Díptico de Wilton National Gallery Londres Adoración de los Reyes Magos. Lorenzo Mónaco Los reyes simbolizan las tres edades del hombre, y la existencia de tres continentes - Juicio Final más completo de la miniatura europea de la época. - Su autor es el introductor del Internacional francés en España, sin olvidar la tradición ítalo-catalana anterior. Misal de Santa Eulalia. Juicio Final. Rafael Destorrents Retablo de La Bañeza. Nicolás Francés Nicolás Francés creó escuela en España por su amplia trayectoria. En este retablo, se centra en la figura de la Virgen, y desarrolla dos ciclos dedicados a ella y a San Francisco Durante el Gótico Internacional, resulta indispensable la aportación flamenca. El realismo de los pintores flamencos revoluciona las artes plásticas, y ejerce una importante influencia en el resto de Europa Las obras más conocidas del Gótico, han sido realizadas por estos pintores, que se afincaban en grandes ciudades de los Países Bajos, como Brujas o Gante. La escultura se produjo sobre todo en madera, si bien no generó una revolución en las artes, y pasa hasta cierto punto desapercibida. La pintura es la más importante de las manifestaciones artísticas del Gótico en los Países Bajos A sus pintores, en España se les denomina “primitivos flamencos”, a pesar de que su técnica resulta extremadamente moderna. Los flamencos crean un nuevo modelo de pintura. - Perfeccionamiento de la técnica del óleo. - Desarrollo de la perspectiva. - Búsqueda del más acusado realismo; desarrollando el retrato, y buscando la veracidad. - Preocupación por utilizar materiales de la más alta calidad. Robert Campin • Maestro de grandes pintores como Roger van der Weyden • No firmó ninguna obra • Se caracteriza por un arte monumental y plástico, que roza lo escultórico; al mismo tiempo que destaca por ser muy minucioso y realista Natividad. Robert Campin - Imagen de la Sagrada Familia completada por dos comadronas - Figuras esquemáticas e insulsas, sin expresividad - El escenario es uno de los primeros grandes paisajes del Gótico. Detallista y minucioso, con un manejo excelente de la perspectiva. HERMANOS VAN EYCK - - - - - - - Jan y Hubert van Eyck Exponentes de la primitiva pintura flamenca Reflejan el realismo típico de la burguesía Captan los detalles particulares Técnica: óleo sobre tabla Temas religiosos, interpretación casera Interés por la perspectiva Políptico del Cordero Místico. (cerrado) 1426-1432. Hermanos Van Eyck Políptico del Cordero Místico. (abierto) 1426-1432. Hermanos Van Eyck Jan van Eyck • El más grandes de los pintores flamencos • Utiliza un complejo lenguaje de símbolos y metáforas • Técnica prodigiosa • Sus obras solo se entienden en el contexto de un marco determinado • La gran mayoría de sus obras fueron realizadas para particulares y oratorios Matrimonio Arnolfini. 1434. Jan van Eyck Giovanni de Arrigo Arnolfini Giovanna Cenami Matrimonio Arnolfini. Jan van Eyck Detalle del espejo. Matrimonio Arnolfini. Jan Van Eyck. Matrimonio Arnolfini Jan van Eyck Lámpara de araña e inscripción: “Jan van Eyck estuvo aquí, 1434” Perro, símbolo de fidelidad marital y amor terrenal - Realismo - Captación de detalles particulares - Ropajes con pliegues para conseguir volumen - Preocupación por el espacio y la perspectiva - Interpretación casera de la religión La Virgen del Canciller Rolin. Jan van Eyck Virgen del Canónigo Juris van der Paele. 1436. Jan van Eyck El arte de Jan Van Eyck fue admirado en toda Europa. El rey de Aragón, Alfonso V el Magnánimo, envió al pintor Luis Dalmau a Flandes para que aprendiese la nueva técnica Virgen dels Consellers. 1443. Luis Dalmau Ejemplo de la influencia ejercida por Juan Van Eyck en Europa Roger van der Weyden • Ordena sus composiciones según un eje de simetría vertical • Constituye a los personajes en relieve, con ropajes ampulosos. Las figuras parecen esculturas policromadas. • Muestra rostros compungidos y bañados en lágrimas. Gusta de los temas dolorosos • El colorido es brillante, cuidando al máximo el detalle • Está especializado en la representación de dos temas dolorosos de la Virgen al pie del Sepulcro: La Quinta Angustia y la Piedad Descendimiento de Cristo y Quinta Angustia de María. 1436-1437. Roger van der Weyden Descendimiento de Cristo y Quinta Angustia de María. Roger van der Weyden Descendimiento de Cristo y Quinta Angustia de María. Roger van der Weyden Hugo van der Goes Posee una implacable ejecución pictórica que ha sido entendida como el preludio del Renacimiento. Así, sus obras sirvieron de influencia a grandes artistas como Leonardo da Vinci Adoración de los pastores. Hugo van der Goes Hans Memling Caracterizado por realizar obras suaves y amables, con colores claros, y elementos pintorescos y anecdóticos. Desposorios místicos de Santa Catalina. Memling El Bosco • Jeroen van Aken • Técnica miniaturista y lenguaje simbólico • Visión pesimista de la existencia humana, donde la salvación se consigue mediante el control de las pasiones • Sus fantasías oníricas lo convierten en precursor del surrealismo y el psicoanálisis • Felipe II poseía una importante colección de obras del Bosco El carro de heno. El Bosco El jardín de las delicias. El Bosco - Representación de una operación quirúrgica realizada durante la Edad Media, en la que se extraía la piedra causante de la necedad del hombre. - Falso médico, como indica el embudo. Su bolsa de dinero atravesada por un puñal, como símbolo de estafa. - Mofa hacia la Iglesia, con la monja ignorante y el sacerdote borracho. - El cuadro es como un espejo que muestra al mundo su estupidez Extracción de la piedra de la locura El Bosco. 1475-1480. El modelo flamenco se extendió por el resto de Europa, marcando así la concepción de la pintura. Sin embargo, durante el siglo XV, se ofrecerá una alternativa e lo ofrecido por los Países Bajos, puesto que aparece el modelo italiano renacentista. Jean Fouquet Pintor y miniaturista, que conjuga la influencia flamenca, con las nuevas técnicas italianas renacentistas. Virgen con el Niño. Fouquet/ Museo del Prado El Prado presenta 'La Virgen con el niño', de Jean Fouquet, la "Mona Lisa" de las vírgenes Este préstamo "excepcional" se encuadra en el programa 'La obra invitada’ Podrá verse hasta el 25 de mayo en el Museo del Prado El Museo de Amberes dice que es un "icono excepcional del arte" http://www.rtve.es/noticias/20140212/pradopresenta-virgen-nino-jean-fouquet-mona-lisavirgenes/877502.shtml Música medieval Música religiosa Los orígenes y el gregoriano La música hebraica constituye el punto de partida de la música cristiana; los cantos de sinagoga, salmodiados por una sola voz (monodía) o por un coro que canta al unísono, inspiran las plegarias cantadas de los primeros siglos del cristianismo. En el siglo VII el papa GREGORIO MAGNO uniforma la liturgia mediante un tipo de canto que lleva su nombre. Audición canto gregoriano El canto gregoriano utiliza intervalos de un tono y ritmo constante , con una sola alteración en la escala, el si bemol, y es cantado al unísono por voces de hombres, en frases largas. Son líneas son tan puras que se convirtió en un lenguaje místico, comparado por su espiritualidad a los mosaicos bizantinos y en el siglo XI a las líneas severas de las primeras construcciones románicas. La polifonía A finales del s.XII, el triunfo del gótico coincide con el de la polifonía, arte de superpones varias voces, en su forma clásica cuatro (soprano, contralto, tenor y bajo). La riqueza del timbre de la polifonía ofrecía muchas semejanzas para los hombres del siglo XIII con los adornos y luces de las catedrales góticas, y así como el canto gregoriano parecía haber encontrado su recinto espacial idóneo en la sobriedad de los edificios románicos, la polífonía, más complicada y diversa, rimaba con los ideales de la arquitectura ojival y la expresividad de la plástica gótica. La voz humana es la base de toda la música religiosa del medievo; los instrumentos juegan un papel accesorio, o están ausentes, como ocurre en el elemento gregoriano puro. El órgano suscitó la necesidad de buscar timbres y, así se utilizaron instrumentos “bajos” (laúd) y “altos” trompetas y trombones Audición polifonía medieval Música medieval La música Profana La música de juglares y trovadores En las canciones populares se ponía música a poesías latinas, con frecuencia de tema religioso, a veces de tema profano. Estas últimas fueron las preferidas para alternar con las danzas en fiestas de corporaciones y espectáculos. Durante la Alta Edad Media los juglares recitan las gestas de los héroes acompañándose de músicas y danzas, de las que muy poco sabemos. En los siglos del románico, las Cruzadas continúan reclamando los tonos heroicos de los cantares de gesta. Mientras, en los núcleos aristocráticos de las cortes principescas comienzan a pedirse a los músicos temas galantes, que enmarquen el ceremonial de cortesías y de culto a las damas; el amor cortés será el tema predilecto de los trovadores, que unen, como los juglares, poesía y música. Cantigas de Alfonso X el Sabio. Aquí tenemos un buen ejemplo del muestrario musical ,pues las miniaturas incluyen todos los instrumentos de la Baja Edad Media, desde laúdes e instrumentos de cuerda hasta trompetas y la variada familia del metal. En la ilustración podemos ver cómo un músico juglar entretiene una reunión señorial. Audición música profana medieval CONCLUSIÓN • El Gótico es un periodo artístico dependiente de las circunstancias sociopolíticas de cada lugar. • Bebe directamente del Románico, y va evolucionando, pasando de Francia al resto de Europa • Resulta importante su vertiente francesa, aunque también Italia y los Países Bajos fueron un importante foco de creación. • Se pasa de pinturas y esculturas hieráticas, sin movimiento y dependientes de la arquitectura; a creaciones dotadas de vida. • La preocupación por el espacio, hace que sus composiciones resulten novedosas, y cercanas a la realidad • Se evoluciona en la concepción de la figura, puesto que se avanza hacia el retrato. • Durante el Gótico, son innumerables los artistas que aportan su punto de vista; haciendo de él un estilo heterogéneo y dotado de gran personalidad. ¡¡MUCHAS GRACIAS POR SU ATENCIÓN!! Carolina Gilabert Sánchez Universidad Pablo de Olavide (Sevilla) Despacho: Ed. 2, 4º-16 Teléfono: 954-97-78-60 E-mail: [email protected]
